viernes, 5 de octubre de 2018

Malditos de la postguerra @ Aglutinador

Curaduría: Sandra Ceballos
Período de exhibiciones: 2016-2018
Espacio Aglutinador

Malditos de la postguerra (MPG) fue un programa de exhibiciones en donde me propuse hacernos un homenaje.
Se trata de un grupo (pues me fue absolutamente imposible, en el limitado tiempo, presupuesto y pequeño espacio de acción, abarcar a todos los que deberían estar) de artistas visuales cubanos, vivos o muertos, exiliados o no, que, a lo largo de varias décadas hayamos sufrido, de diversas maneras, el trauma de la censura, las críticas destructivas y punzantes (impresas y verbales, expuestas y ocultas), la represión, las amenazas, el chantaje, el apartamiento y el olvido calculado como estrategia correctiva.

Ésta fue una manera de extraer de las catacumbas, nombres disonantes, sucesos y obras de artistas (algunos fallecidos) que han sido (unos parcial y otros totalmente) abortados de la historia isleña del Arte Cubano, de los grandes eventos-memoria o lo mejor del arte contemporáneo cubano, realizados por curadores y artistas oficiales en instituciones cubanas y foráneas, en donde siempre se encontrarán expuestos los mismos nombres.

MPG se propone una reconstrucción de una parte de la historia de la cultura cubana que no ha sido casi promulgada, de la que no se habla y sobre la que no se publican vastos textos en tabloides ni libros, catálogos, periódicos, gacetas, blogs, o revistas culturales dentro de la Isla; tristes escenarios del pasado, dentro de los cuáles sólo quedó el espíritu de las acciones, impresas sobre el espacio, que algunos tratan de borrar y transferirlas (conscientemente) hacia el pragmatismo axiomático de la amnesia intencionada, pero, por suerte existimos esas Mentes Peligrosas, escudriñadoras que resucitan entidades que emergen dentro y fuera de algo, que auscultan los conductos de la memoria y sienten las palpitaciones de una presencia, que de repente revienta por justa causa (como el desorden natural de un cadáver que ha sido enterrado dentro de una pared) descubriendo ante el oscurantismo inquisidor de los jerarcas desmemoriados, esas manchas que revelan realidades tangibles, irrefutables y permanentes.

El evento comenzó en el 2016 con:
"1988, Proyecto G" con, Juan Sí González

Continuó con:
"OmniZonaFranca, un Arte necesario" con, Amaury Pacheco y su colectivo.

"Crónicas y evidencias" con, Ángel Delgado y Alberto Casado.

"Desde las catacumbas" con, Jesús González de Armas, el pintor y maestro Heriberto Manero, Chago Armada, Guido Llinás, Manuel Vidal.

"Resistiendo al desalojo" con, Antonia Eiríz, Ezequiel Suárez y Tania Bruguera.

Por último y como clausura del evento:
"Exilio, outside, pero inside too" con, Maite Díaz González, Umberto Peña, Samuel Riera, Carlos Martiel, Eduardo Zarza, Rafael Zarza, Hamlet Lavastida, Rodolfo Peraza, Carlos Rodríguez Cárdenas, Nadal Antelmo, Vladimir Llaguno, Elvis Céllez, Ernesto Leal, Luis Trápaga, Luis Manuel Otero, José Ángel Vincench, Jesús Hdez-Güero, Ítalo Expósito, Énfori García, René Quintana, Eduardo Marín, Ana Olema, Fernando Ruiz, Alejandro López, Rafael López Ramos y yo, Sandra Ceballos.


Entrevistas y textos para el catálogo a cargo de:
Iván de la Nuez, Coco Fusco, Yanelys Núñez, Orlando Hernández, Paco Barragán, Magaly Espinosa, Maite Díaz González, Gerardo Mosquera, Alejandro Valdés, Chago Armada y Sandra Ceballos.


Calle 6 # 602 e/ 25 y 27, Vedado. La Habana. Cuba
TEL. 52913215

sábado, 15 de septiembre de 2018

Chanel No. 5 @ IRL

8395 NE 2nd Ave, Miami, FL 33138
Saturday, Sept 15, 7 PM – 10 PM

Filio Galvez / Fernando Garcia / Maria Pacheco / Alejandro Taquechel / Ramon Williams

Channel No. 5 (Miami) is the second edition of a show that bounces off La Havana, five exponents articulate an exhibition project devised in Miami and executed first In Cuba and now here: Between grimy and aseptic customs, upstart leaders and shadows behind the throne , living ghosts in ruins of utopia and new vitreous iron structures, giant and empty.

No. 5 artists of different generations, with no more "stylistic" connection than being of Cuban origin, apart from living and working in Miami. The five traveled from shore to shore without scandal of interest to the media and its investors, simply setting in motion the ability of the art to take care of itself in the midst of the macro agendas of its time. Five coming back ... and being back.

From the basement of artist and friend Juan Carlos Alom in El Vedado, to Little Haiti.

Biennial or not
Hurricanes and Trash
Our suspicions and the year 00
the heroes
the traitors
the nudes
the fuzziness
High aroma
napkins and Voltage.
Our Reflexes off the roots of social science and economics.
Strokes in the Highways, monuments and statues.
A Russian kiss with out spit or snot.

Your passionate and then Arrested before your Warned. Fucking emigration laws. Bodies covered in shit. Particles of shit thrown at a radius of one hundred miles with the speed of the net, the wind of the history of duality and its passwords of ideologies in quarrel. Under these waters, does the shores touch each other? And those five there, between July and September, with two different samples of the same Channel, one from Miami and the other one from Havana.

martes, 11 de septiembre de 2018


Carlos Rodriguez Cardenas: Geographical Mind in the Architecture of Landscape 

September 13 – October 13, 2018

Carlos Rodríguez Cárdenas
Geographical Mind in the Architecture of Landscape
September 13 – October 13, 2018 

In his native Cuba during the 1980s, Carlos Rodríguez Cárdenas developed an influential style of painting that deployed irony, sly humor, and a shrewd parody of High-Modernist sophistication to mock the conceits of official state-sponsored imagery and utopian sloganeering. In Geographical Mind in the Architecture of Landscape Cárdenas turns a discerning eye toward the United States, delivering a body of work that seems at first glance like a love letter to the American landscape and to New York City—his adopted home of many years now—yet gradually reveals an undercurrent of wariness and disquiet about our national myths and pretensions. Alongside this is an extended meditation on his own migrations, and on the endless tension between the fundamental human desire for stability and the inevitability of flux in our lives.
References to monumental constructions, modern technology, and utopian aspirations have always been a cornerstone of Cárdenas’s visual language. In these works, he uses such imagery to powerful effect, juxtaposing bold, semi-abstracted renditions of cityscapes and sea vessels with picturesque antique views of landmark buildings and collaged insets from U.S. maps; the combination evokes the grand narratives of progress and power that have always informed this country’s collective self-image, yet also makes these stories seem quaint, or even wistfully naive. The centerpiece of the show (The Journey, 2007-2018) is a frieze-like row of paintings with a squarely frontal view of tiny stylized skyscrapers and ships perched atop a massive wall of gargantuan bricks and gloomily featureless towers. The effect is something like the monotonous terrain of an old-school side-scrolling video game, suggesting perpetual travel with neither rest nor peace. Yet the varied light-blue shades of the bricks suggest expanses of open sky and sea, hinting at the possibility of freedom and escape from the strictures of law and dogma. The Bunker (2015) hints at similar notions via a pentaptych depicting a gargantuan seaborne ark/metropolis, while Geographical Mind  (2018) combines a clock face, compass points, and small circular insets from road maps of the U.S., Cuba, and Mexico, referencing the age-old human drive to dominate nature’s unruliness (and our own) with artificially imposed systems and structures.
Cárdenas understands classic visual metaphors for our cities and landscapes well, and he quotes them to great effect. His minimal, stylized buildings are strongly reminiscent of works by other artists we associate with New York in its modernist heyday, ranging from the Precisionist Charles Sheeler and Charles Demuth to Georgia O’Keefe and even Joseph Cornell. Small rectangular patches in the diptych American Landscape (2015) recall the vast, clear skies in Ed Ruscha’s Hollywood and Standard Station paintings and the grand-scale mythologizing of the American landscape of the Hudson River School painters. The evocation of these great Modernist chroniclers of the American myth adds a poignant twinge to Cárdenas’s status as the perpetual outsider looking in.

For further information, please contact 532 Gallery Thomas Jaeckel by phone at 1.917.701.3338, or by e-mail at

sábado, 11 de agosto de 2018


El programa Malditos de la posguerra abre su cuarta exhibición, con obras de los maestros Chago Armada, Jesús de Armas, Heriberto Manero, Guido Llinás y Manuel Vidal.
Curada por Sandra Ceballos
(English version follows)

Estos artistas fueron, por muchos años, víctimas de la incomprensión y en el caso de Chago Armada de la censura de su personaje Salomón, entre otros dibujos.
El trabajo de Heriberto Manero nunca fue valorado, como tampoco su Taller para artistas por donde pasaron muchos graduados y autodidactas, este fue un lugar de tolerancia, aprendizaje y cultura.
Guido Llinás emigró a Francia por no poder desarrollar debidamente su trabajo, al ser valorada su obra como un arte no representativo del proceso revolucionario.
Los dibujos de Manuel Vidal permanecieron muchos años a la sombra y los propios artistas -ya estando él mayor- fuimos, en muchos casos, los que organizábamos eventos con sus obras.
Jesús de Armas, quien también emigró a Francia, sufrió discriminaciones y sabotajes hacia su desarrollo como artista, por parte de personas responsables de la divulgación del arte de aquellos tiempos. 
Lamentablemente casi todos murieron sin haber disfrutado de la justa valoración de su trabajo como artistas dentro de su Patria.
The program "Malditos de la Postguerra" opens its fourth exhibition: From the catacombs.
The next exhibition at Aglutinador opens on August 18.
For many years these artists were victims of incomprehension and, in the case of Chago Armada, of censorship to his alter ego Salomón, among other drawings. The work of Heriberto Manero was never valued, nor was his studio for artists, where many art students and autodidacts spent time. This was a space of tolerance, learning and culture. Guido Llinás emigrated to France because he could not carry out his work, as his art was determined not to be representative of the revolutionary processes of his time.
Manuel Vidal's drawings remained in the shadows for many years. When he grew old, other artists went and organized events showcasing his works. 
Jesús de Armas, who also emigrated to France, suffered discrimination and sabotage of his development as an artist by those who were responsible for exhibiting art in his time.
Sadly, almost all of these artists died without enjoying the proper recognition of their artworks in their homeland.

Inauguración 18 de agosto de 2018
Espacio Aglutinador
Calle 25 # 602, Esquina a 6, Vedado, La Habana

Abierta al público del 11 al 21 de agosto
De 10:00 AM a 4:00 PM

viernes, 22 de junio de 2018


Información de Espacio Aglutinador

El Espacio Aglutinador y yo (Sandra Ceballos) hemos sido víctima, por estos días, de difamaciones, calumnias y graves acusaciones dentro de un Tsunami de ciber-ataques sin fundamentación real, por parte de cubanos que se encuentran en el exilio.

Estas personas están poniendo al descubierto su falta de información, poseídos y cegados por catarsis que responden a sus propios problemas mentales, frustraciones y resentimientos. Esas histerias frenéticas (que además los impulsan a buscar falsos testimonios escupidos con lenguaje vulgar) los han llevado a atacar bajo la coraza de internet.

Es evidente que esta actitud en contra de un lugar independiente para las artes, emblemático y aguerrido, como ha sido el Espacio Aglutinador (en donde han exhibido más de 300 artistas de varios puntos del planeta, en donde se han creado proyectos altruistas para apoyar a artistas que viven y trabajan en condiciones precarias, en donde se han realizado talleres de arte, conciertos, lecturas literarias con escritores censurados y no, en donde las personas que lo habitamos tuvimos que renunciar a nuestra privacidad por mucho tiempo) es una prueba de que están abiertamente tomando la misma postura de personas que representan a las instituciones y otras autoridades oficiales cubanas, las cuáles también han intentado sabotear - mediante disímiles tácticas- y desmembrar este reducto de arte en Cuba, además de otros espacios y proyectos culturales también de carácter privado. Esto me hace pensar lo siguiente: ¿esta (sospechosa) acción acometida por esos cubanos exiliados, será otra puesta en forma de esas tácticas de guerra fría internas? No acuso, solo invito a la reflexión.

No solamente intentan destruir al Espacio Aglutinador, sino también a las iniciativas alternativas que han estado emergiendo dentro de las Artes en Cuba durante estos últimos años; éstas han sido creadas y mantenidas con mucho sacrificio y rigor por parte de sus organizadores.

Muchas personas queridas (familiares, amigos y personalidades de la cultura a nivel mundial) se han sentido ofendidas ante tanta ignominia e injusticia, algunos de ellos han respondido enérgicamente, otros prefieren no alimentar el ego descabellado de las fieras y los tildan de locos, pero actuarán de otra manera y apoyarán aún más nuestras ideas y los proyectos desde el exterior. El equipo de Aglutinador agradece públicamente las bondades, admiración y el sentimiento de justicia de estas personas. Uno de ellos me comentaba por teléfono: la creación y seguimiento del Espacio Aglutinador en sí mismo ya es una acción valiente, creativa y didáctica bajo el contexto cubano. Las curadurías son enriquecedoras por sus aportes estético/conceptual, originalidad y personalidad. Además un ejemplo de resistencia.

Por último, aprovecho la ocasión para que nuestros colegas, colaboradores, amigos y enemigos tengan bien clara nuestra postura:

-No somos voceros de ningún sistema político, aunque nuestra existencia física se desarrolle dentro de este.

-No estamos relacionados con arribistas ni oportunistas vinculados a histerias politiqueras.

-Seguiremos defendiendo nuestras ideas y posición con relación a los derechos de independencia y libertad de expresión (mientras no caigan en faltas de respeto personal) dentro de las Artes en Cuba.
-Seguiremos trabajando para el arte y los artistas sean o no activistas, alternativos u oficiales, conocidos o desconocidos, graduados de arte o autodidactas, jóvenes o viejos, hombres o mujeres, homosexuales o heterosexuales, ricos o pobres, blancos, negros o amarillos, mientras posean, como dice nuestro estatement: esa necesaria dosis de honestidad y desasosiego ante la creación propios del arte verdadero.

Exhortamos a estas personas -que residen fuera de Cuba y que comenzaron este patético inter-brete, hundidos en un fracasado intento de des aglutinar y embarrar con sus vómitos verbales tantos años de esta apasionante labor que hemos estado y estamos realizando bajo presiones, discriminación y sacrificio, no solamente por la parte de los iniciadores de Aglutinador sino también por todas las personas que han participado, trabajado y colaborado con nuestros eventos- a que demuestren (si lo poseen) el valor de vivir en Cuba ahora, sufriendo escasés de toda índole y que realicen un proyecto de arte independiente aquí, desde adentro y en caliente, pero sobre todo, que tengan el coraje para continuarlo sin claudicar ni salir corriendo ante las envestidas y sin permitir que el agotamiento y consternación ante la mediocridad humana desvanezca el ímpetu de resistencia.

Ah!, pero si no pueden, al menos tengan la dignidad de coser ese hueco que tienen entre la nariz y la barbilla.
Sandra Ceballos junio/2018

miércoles, 23 de mayo de 2018

Presentación del libro "Una onza de amor", de Lucía Ballester

Friday at 7:30 PM - 10:30 PM
Altamira Libros
219 Miracle Mile, Coral Gables, FL, Miami, Florida 33134
 Funcionarte Corp y CAAW Ediciones te invitamos a nuestro próximo evento Fuera de Catálogo Artista, con la presentación del libro de poemas e ilustraciones de Lucía Ballester, "Una onza de amor". 

Palabras de presentación a cargo de Kelly Martínez-Grandal y Aldo Menéndez.
El libro estará a la venta al finalizar la presentación.
La entrada es gratis.

domingo, 20 de mayo de 2018

ARTISTismo -o cómo lidiar con el mundo del arte en el Siglo XXI

(English version follows)

El siglo XX comenzó con un gran realce del artista como
shamán y mago de la creatividad, cobrando por primera vez en la historia moderna, cierta importancia en la dinámica de poder dentro de este campo. Pero durante la segunda mitad del siglo, el mundo del arte se fue corrompiendo exponencialmente, entre el fermento del mercado más desregulado y el campo que produce los criterios de valor más subjetivamente; un proceso que ha tenido al arte como principal víctima y al artista como daño colateral.

Este fenómeno se hizo más notorio en la última década,
tras la implosión de la llamada "burbuja del arte contemporáneo" generada por la inflación de precios y la fabricación de figuras señeras, cuya obra no estaba realmente al nivel magistral que el mercado le confería. Eso hizo que las casas de subasta centraran su atención en el arte modernista, el asidero más sólido que encontraron para poder mantener su maquinaria funcionando. Después, algunas grandes galerías siguieron su ejemplo y captaron artistas que hacían algún tipo de arte con sabor modernista, lo que resultó en la creciente ola de arte formalista (el crítico Walter Robinson lo calificó como Formalismo Zombie), y de arte abstracto en todos sus sabores, desde el concreto al expresionista, inundando ferias, revistas, galerías y museos de arte.En una atmósfera plagada por esta especie de "Modernismo pasado por agua" (le llamo también After Modernism), nada más apropiado que un manifiesto -el gesto Modernista per se-, y sustituír el dicho de Ezra Pound "Hazlo nuevo" (que encarnó el espíritu de ese periodo) por "Hazlo bien", no como un grito de guerra, sino como un susurro de esperanza para el futuro del Arte, tan importante para la salud espiritual de nuestra civilización, que se está transformando rápidamente bajo la influencia de las nuevas tecnologías, aunque no necesariamente deba perder su alma en el proceso, pues puede incluso crecer y expandirse, si las usamos sabiamente.

Por otro lado, las galerías favorecen cada vez más el trabajo de aficionados
con dinero (que ven al arte como buena idea de negocio, considerando la correlación entre horas de trabajo, costos de materiales y precios de venta), sobre la obra de creadores experimentados que, a veces son invitados a exponer junto a aquellos, sólo para prestar su aura y ser una especie de facilitadores de ventas a quienes pagan las paredes por pies cuadrados.

Por lo tanto,
haciendolo bien podríamos enmendar la posición impotente que nos ha sido designada, y tal vez incluso cambiar las reglas a nuestro favor, para que todos los artistas, jóvenes y viejos, graduados o autodidactas, puedan prosperar con su arte, sin importar que no sigan las viejas fórmulas revividas por la nueva moda formalista, o no puedan ni quieran pagarse paredes en galerías y ferias. No es necesario otro "Ismo" en pos de la experimentación y novedad formal (algo que ya se hizo hace un siglo) sino crear un movimiento capaz de agrupar y empoderar a artistas que creen formas excelentes, cargadas de contenido y sustancia -lo cual ha sido por siempre la esencia del gran arte, desde la antigüedad a la contemporaneidad.Los artistas somos los mejor equipados para distinguir lo real de la patraña en nuestro campo específico, y quizás sea este el mejor momento para usar ese ojo crítico por nuestro propio bien. Validemos el arte de nuestros colegas que así lo merezcan, para no seguir permitiendo que otras personas decidan quiénes son los maestros y artistas geniales que recibirán los elogios y el dinero -usualmente excesivos para sus cuestionables obras, pero perfectas en su rol de productos destinados a alimentar un mercado manipulado. Los artistas debemos recuperar nuestro lugar en el mundo del arte, y en la sociedad en general, ya que somos los que creamos ese objeto suntuario, ese rubro comercial, que resulta aún más valioso cuando lo tratamos como materialización de la inteligencia, la sensibilidad y la espiritualidad del grupo humano específico al que pertenecemos, y de toda la especie humana.Siguiendo el ejemplo del Salon des Indépendants, (creado en 1884 por los impresionistas cuando sus obras fueron rechazadas por el salón oficial de la Académie Royale de Peinture) nos podremos librar de los especuladores y estafadores que inventaron un mercado que nació torcido, y crear nuestro propio mercado artístico, alternativo, acorde a nuestras necesidades e intereses. A pesar de ser el arte una profesión muy competitiva, debemos dejar a un lado la competencia y practicar más la cooperación. La competencia nos debilita y divide, la cooperación nos fortalece y engrandece como artistas y como personas.

Organicemos nuestros propios grupos de acuerdo a las afinidades personales y artísticas, realicemos y curemos nuestras exposiciones independientes, recurriendo a nuestros propios medios, que son muchos, aunque no incluya un gran capital financiero, pero contamos con un capital igual de importante, las relaciones y contactos en los más diversos estratos de la sociedad, la creatividad con la que podemos enfrentar los más diversos retos en la producción de cualquier evento y, por su puesto, nuestro intenso deseo y necesidad de difundir nuestro trabajo y triunfar con él, comercializándolo honestamente, a precios igualmente realistas y dignos. Al agruparnos sustituiríamos el concepto de “genio solitario” del Modernismo por el de Genio Colectivo: multiplicado sinérgicamente por la unión, nuestro alcance total es mayor que la simple suma de los individuos.

La otra opción sería continuar quejándonos y criticando los desmanes del mundo del arte, ello nos brinda efímero alivio psicológico; una momentánea catársis y la posibilidad de que todo siga igual.

Rafael López-Ramos

P.S.- Algo más que podemos ir haciendo es abogar porque se aprueben estas dos leyes en el Congreso de los Estados Unidos:
- Artist-Museum Partnership Act
- The Artist's Resale Royalty

ARTISTism -or how to deal with the art world in the 21st century

The twentieth century began with a great boost to the figure of the artist as a shaman and magician of creativity, gaining some importance in the dynamics of power within this field for the first time in modern history. But during the second half of the century, the art world got exponentially corrupted, between the ferment of the most deregulated market and the field that more subjectively produces the criteria of value; a process that has had art as the main victim and the artist as collateral damage.

This phenomenon became more conspicuous in the last decade, after the implosion of the so called “contemporary art bubble” generated by the inflation of prices and the fabrication of towering figures whose work wasn't really up to the masterly level granted by the market. That made the main auction houses to turn their attention to Modernist art, the closest solid stone they found to step on to try and keep their mill grinding. Afterwards some big galleries started following suit and added to their stables artists doing some sort of Modernist flavored art, resulting in the rising tide of formalist art (critic Walter Robinson branded it as Zombie Formalism), and Abstract art in all its flavors, from the concrete to the expressionist, flooding art fairs, mainstream magazines, galleries, and museums.

In an atmosphere ridden by this sort of “After Modernism”, nothing more appropriate than a manifesto, the Modernist gesture per se, turning Ezra Pound’s dictum “Make it new”, which embodied that period's spirit, into “Make it good”; not as a war cry but a whisper of hope for the future of Art and the important roll it plays in the spiritual health of our civilization, which is quickly transforming under the influx of the new technologies, although it doesnt necessarily have to lose its soul in the process, as it can even grow and expand, if we use them wisely. .

On the other hand, galleries are increasingly favoring the work of wealthy hobbyist (who thought art may be a good business idea, considering the correlation of work hours, supplies costs, and sale prices), over the work of seasoned creators who, some times get invited to exhibit along them only to lend their aura and being a sort of sales facilitators to the ones who pay for the walls by square feet.

Thus, by making it good we may try to amend the powerless position artists have been designated, and perhaps even turn the tables in our favor, so all Artists, young and old, schooled or self-taught, could thrive with their Art,
no matter if they do not follow the old formulas revived by the new formalist fashion, or cannot or wish not pay for walls in galleries and fairs. There is no need for another "Ism" in pursuit of experimentation and formal novelty (something already done a century ago), but to create a movement capable of grouping and empowering artists who create excellent forms, loaded with content and substance -which has been forever the essence of great art, from antiquity to contemporaneity.

Let's unite and validate our peer artists works as we are the best equipped to tell the real thing from the bullshit in our specific field, and now is the moment to use that discerning eye, in our best interest.

Do not allow anymore that someone else decide who are the geniuses and master artists who deserve all praise and money -usually way excessive for their banal works, but perfect in their roll of commodities destined to feed a bogus market. Artists must recover our place in the art world, and the whole society, since we are the ones who create that luxury object, that trading commodity, which is even more valuable when we treat it as materialization of the intelligence, sensitivity and spirituality of the specific human group we belong to, and ultimately of the entire human race.

Following the example of the Salon des Indépendants (created in 1884 by the Impressionists when their works were rejected by the official salon of the Académie Royale de Peinture) we can get rid of the speculators and swindlers who invented a market that was born crooked, and create our own alternative artistic market, according to our needs and interests. Despite the fact that art is a very competitive profession, we must put aside competition and practice cooperation more. Competition weakens and divides us, cooperation strengthens and enhances us as artists and human beings.

organize our own groups according to personal and artistic affinities, produce and curate our independent exhibitions, using our own means, which are many, despite not having a large financial capital, but we have an equally important capital, the relationships and contacts in the most diverse strata of society, the creativity with which we can face the most diverse challenges in the production of an event and, of course, our intense desire and need to spread our work and succeed with it, commercializing it honestly, at equally realistic and worthy prices. Thus we would replace the Modernist concept of "solitary genius" with that of Collective Genius: multiplied synergistically by the union, our total reach is greater than the simple sum of the individuals.

The other option would be to continue complaining and criticizing the excesses of the art world
, it will lend us a momentary catharsis, an ephemeral psychological relief, and the garantee that all will keep unchanged.

Rafael López-Ramos

P.S.- Something else we could do in the meantime is advocating for these 2 bills to be aprooved by the Congress of the United States:
- Artist-Museum Partnership Act
- The Artist's Resale Royalty 

Malditos de la postguerra @ Aglutinador

Curaduría: Sandra Ceballos Período de exhibiciones: 2016-2018 Espacio Aglutinador Malditos de la postguerra (MPG) fue un programa de...